Susana

 

PASCUAL BLANCO    LABIRINTO ALL'EDEN

 

L'opera del pittore spagnolo Pascual Bianco (Saragozza 1943-2013), che può contemplarsi nella casa natale di Raffaello da Urbino, pretende essere l'espressione del dialogo intimo dell'artista con la pittura e l'incisione, dialogo plasmato in uno degli atti più genuini, al quale solo pochi privilegiati hanno la fortuna di poter accedere: quello della creazione artistica.

Non capita di frequente di essere presente durante il processo creativo di un artista il quale solitamente cerca, anzi necessita, solitudine. Non é certo il caso di Pascual, che molto volentieri apriva le porte del suo studio, per lo meno alle persone a lui più care, tra le quali mi includo. Grazie a questo mio privilegio, posso affermare, a voce alta, che Pascual si confrontava con autentica passione ad ogni tipo di opera: non gli importava che fosse una tela di grandi dimensioni (tipica nella sua produzione artistica), o una matrice per l'incisione. Instaurava con la superficie da lavorare una relazione intensa, un desiderio di dominarla non privo però di un certo grado di sofferenza.

Si potrebbe citare qui la celeberrima frase di Picasso che tanto piaceva a Pascual: "Un quadro é più forte di me. Può fare di me ciò che vuole" ¹.

Ma questo non succedeva coi suoi bozzetti, che realizzava con un'intensità di cui Pascual non poteva farne a meno, essendo quest'ultima una caratteristica basica del suo carattere. Quando si sedeva al suo tavolo da lavoro, nel suo studio del quartiere saragozzano "La Paz", con una piccola superficie in bianco davanti a lui, trasmetteva una sensazione di serenità, anzi un sentimento di felicità che scaturiva dalla relazione che l'artista instaurava con le sue opere. A Pascual piaceva ritagliare, incollare e sperimentare con quelle piccole provette, contro le quali rinunciava a lottare per poi lasciarsi trasportare.

Per motivi anagrafici, non sono stata testimone del processo creativo delle prime fasi della sua produzione artistica: quella astratta e quella politica, quando un forte senso di ribellione lo dominava. Ma passati quegli anni, creare era la sua unica preoccupazione, incurante delle pressioni esterne, cercava nell'introspezione le risposte alle sue preoccupazioni, tanto vitali quanto plastiche. Pascual viveva per creare attraverso la pittura e l'incisione.

Questa mostra vuole mostrare il linguaggio della creatività dell'artista di quasi mezzo secolo di lavoro: dalle sue prime opere fino al 2013 anno della sua dolorosa morte. Il 7 aprile di quell'anno, la morte ha colto di sorpresa Pascual mentre si trovava in piena attività artistica: anche quella mattina era stato nel suo studio per lavorare.

L'esposizione non ha la pretesa di essere un'antologica, ne di seguire un filo cronologico, anche se praticamente lo fa. In essa é presente una maggiore rappresentazione degli ultimi anni di lavoro, anni in cui l'artista ha avuto una stretta relazione con il Paese e con la regione dove attualmente è conservata la sua produzione artistica. Predominano le opere di piccole dimensioni e qualcuna di formato intermedio che in effetti non erano altro che dei bozzetti per opere di più grandi dimensioni, non sempre poi realizzatesi. La maggior parte delle opere che culminavano in una tela o in una stampa, non sempre assomigliavano al bozzetto: ne nella composizione, ne nel colore e nemmeno nelle trame, a volte erano un po' più simili ma raramente identiche: ogni opera era unica per lui.

La maggior parte delle opere esposte é stata realizzata con la tecnica del gouache, tecnica molto usata da Pascual per i lavori di piccole e medie dimensioni; altre sono state realizzate su cartolux, un supporto che gli permetteva di giocare con i ritagli ed il collage. Ma sono esposti anche quadri ad olio, nei quali si sostituiscono i giochi di composizione, con delle trame e degli sfumati.

Nella mostra é anche possibile vedere un polittico di bozzetti astratti dei suoi inizi, non appena finiti i suoi studi presso la facoltà di Belle Arti di Barcellona (1965-67), quando l'astrazione era la maniera di dominare il suo sentimento di ribellione e la sua voglia di rompere con l'accademicismo imperante; quando sfuggiva alla rappresentazione per cercare un cammino personale e più affine alle correnti artistiche innovatrici ed imperanti della Barcellona aperta e cosmopolita di quegli anni. Una Barcellona nella quale era possibile visitare esposizioni avanguardiste come: Tapies, Mirò, Picasso, ecc, esposizioni che tanto rispecchiavano il gusto dell'artista.

Si includono due opere, che nonostante siano distanti cronologicamente dalle altre, si relazionano con esse in quanto rappresentano un ritorno all'astrazione: si tratta di due bozzetti per le vetrate della decorazione murale della Chiesa del Cristo Amore Misericordioso a Fermo (Italia 2011).

Le pitture astratte che ha realizzato Pascual Bianco tra il 1964 ed il 1968 si caratterizzano per le composizioni geometriche collocate partendo da strutture di piani, ordinati armonicamente attraverso il colore, e che risaltano pur senza rilievo su dei fondi uniformi. Inoltre, nella sua pittura astratta sono presenti elementi rappresentativi dell' arte informale, come per esempio l'incorporazione alla tela di vari materiali.

Sin dagli inizi, si osserva in molte delle sue opere, una sorta di gestualità che si appropria di esse per poi convertirsi in una costante nella sua produzione artistica, gestualità che l'artista riesce ad ottenere attraverso la combinazione della materia e delle linee, creando così, un linguaggio suo proprio che lo accompagnerà durante tutta la sua carriera artistica. E così che prende le distanze dall'astrazione geometrica (la cui poetica pittorica cercava di allontanarsi dalla soggettività di altri movimenti, come l'espressionismo astratto) per avvicinarsi ad una pittura nella quale l'aspetto emozionale é sempre più emergente.

 

 

L'abbandono dell'astrazione ed il passaggio alla figurazione possono considerarsi come uno dei giri più bruschi nella linea plastica di un artista molto impegnato tanto politicamente come nel sociale. Questo cambiamento avviene a partire dal 1969, dopo aver lasciato Barcellona (dove il pittore ammette di essersi sentito totalmente libero) ed essersi trasferito a Saragozza, città nella quale quasi non esisteva una struttura culturale ed artistica, e nella quale il contesto di repressione della Spagna dell'epoca era ancora più evidente. Abbandonò l'astrazione per addentrarsi nella problematica dell'essere umano ed il suo intorno sociale.

L'artista confessava: "Anche se non posso negare che al mio ritorno a Saragozza, ho trovato una città artisticamente più avanzata, il contrasto rimane comunque brutale, e presto si appropria di me il suo ambiente chiuso. Mi ingrigisco sempre di più. Tutto ciò motiva un cambiamento verso un 'arte molto più implicato socialmente e contrario alla censura ed alla repressione. Sento che ho bisogno di protestare" ².

Agli inizi di questo periodo artistico, rappresentato nella mostra di otto opere, l'artista utilizza dei collage e delle piccole sagome che rappresentano sia la piccolezza dell'essere umano sia la sua spersonalizzazione, ma questa visione dell'essere umano si é evoluta rapidamente, attribuendo a quest'ultimo sempre più forza, al punto tale da farlo diventare il protagonista della composizione.

Oltre ad una densa carica pittorica, Pascual Bianco utilizzava per le sue opere, materiali poveri e di scarto: come fili metallici e vecchi cenci (con certe reminescenze all'Arte Povera con i quali accentuava ancor più il drammatismo delle sue opere; un esempio di ciò é l'opera "Cierto" del 1971, nella quale ricrea una crocifissione utilizzando dei vestiti suoi e dei fili metallici intrecciati, e che mostra con estrema chiarezza, la crudezza della repressione. Queste preoccupazioni vengono enfatizzate dall'utilizzo di colori freddi, in cui predominano i grigi, tonalità ispirate dall'ambiente oppressore di allora.

Nella mostra si può contemplare un'opera molto importante di questo periodo artistico: é un bozzetto per un graffito murale realizzato in seguito dal collettivo di Arti plastiche di Saragozza ³ nel 1975 presso la Caserma Militare di Castillejos. E una opera che rappresenta un insieme di altre opere nelle quali Pascual Bianco ha utilizzato dei pupazzi fatti da lui stesso con delle stoffe e collocati in modo da rievocare l'uomo vinto e abbattuto, allo scopo di rafforzare la forte carica politico-sociale della sua opera.

Dopo la morte di Franco, e in piena transizione alla democrazia, Pascual Bianco comprese che le circostanze politiche del momento ormai non richiedevano, da un punto di vista artistico, la sua implicazione sociale e di denuncia: il cammino per abbandonare questa tematica fu lento.

Per due o tre anni la preoccupazione per l'essere umano ha continuato ad essere l'asse centrale del suo lavoro artistico. Ha situato l'uomo in ambienti ostili, con piante grasse e pungenti, tutto ciò sempre facendo uso di tonalità fredde. Ha continuato a mantenere le posizioni forzate e gli scorci esagerati. Ma nelle sue opere s'intravedeva già un abbandono della tematica sociale a favore di una maggiore introspezione, intimismo e solitudine.

Nel 1986, l'allestimento dell'esposizione presso la prestigiosa sala Luzàn di Saragozza, ha sigillato l'abbandono totale di questo tipo di tematica (e forse per la tendenza dell'essere umano e dell'artista ad un certo movimento pendolare), per ricercare un'estetica differente, nella quale predomina il carattere ludico e che é preludio a delle fasi posteriori nelle quali la poesia si convertirà in una delle sue principali fonti di ispirazione. E il caso di Del Génesis o il Paraiso perdido, ispirati all'opera di Jhon Milton (1986).

 

 

L'ESSERE UMANO CONTINUA AD ESSERE IL PROTAGONISTA PERÒ IN UNA MANIERA DIFFERENTE

 

Verso la metà degli anni novanta, con l'opera "Entrenubes", l'artista ritorna coscientemente a riferimenti del passato: come l'uso riflessivo dei colori, l'utilizzo del collage (che apporta trame e frammenta lo spazio), i giochi di piano e l'organizzazione geometrica che intensifica l'ordine delle composizioni e conduce verso un'astrazione in equilibrio con la figurazione. Elementi che sono segni d'identità dell'artista in quasi tutte le fasi della sua creazione artistica, anche se in quest'ultima perde forza una delle sue costanti: la ricerca dell'espressivo per mezzo del gesto.